Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald là một ca sĩ nhạc Jazz người Mỹ gốc Phi. Fitzgerald đã nhận được 13 giải Grammy, Huân chương Nghệ thuật Quốc gia và Huân chương Tự do của Tổng thống.Sự khởi đầuElla Jane Fitzgerald sinh ngày 17 tháng 4 năm 1917 tại Newport News, Virginia. Ella và mẹ chuyển đến Yonkers, New York, nơi cuối cùng họ chuyển đến sống với bạn trai của mẹ cô, Joseph Da Silva. Một thời gian ngắn sau, Joe qua đời vì một cơn đau tim, sau đó Frances cũng được dì Virginia nhận về nuôi. Ella được chú ý bởi một thành viên của ban nhạc Chick Webb’s, người đã thuyết phục Webb thuê Ella.Từ nụ đến hoaNăm 1935, Ella bắt đầu hát với dàn nhạc của Webb tại Harlem`s Savoy Ballroom. Cô đã thu âm một số bản hit với họ, bao gồm; "(If You Can`t Sing It), You`ll Have to Swing It," và "Love and Kisses", đây là bản thu âm đầu tiên của cô ấy. Năm 1938, ở tuổi 21, Ella thu âm một phiên bản vui tươi của bài đồng dao trẻ thơ, "A-Tisket, A-Tasket." Một triệu bản sau đó, giai điệu này đã đạt vị trí số một và trụ vững trên các bảng xếp hạng nhạc pop trong 17 tuần. Vào ngày 16 tháng 6 năm 1939, Chick Webb qua đời, khiến Ella trở thành thủ lĩnh ban nhạc. Nhóm được đổi tên thành "Ella Fitzgerald và Ban nhạc nổi tiếng của cô ấy."Các cuộc hôn nhânNăm 1941, Fitzgerald kết hôn với Benny Kornegay. Tuy nhiên, sau khi phát hiện ra anh ta có tiền án, cô nhanh chóng hủy hôn. Khi Fitzgerald đi lưu diễn với ban nhạc Dizzy Gillespie năm 1946, cô gặp và yêu Ray Brown. Cặp đôi kết hôn vào năm 1947, và cuối cùng họ nhận nuôi một đứa trẻ do em gái cùng cha khác mẹ của Ella sinh ra, người mà họ đặt tên là Ray Brown Jr.

Liên minhVào thời điểm đó, chồng mới của cô đang làm việc cho nhà sản xuất và quản lý, Norman Granz, trên Jazz at the Philharmonic chuyến du lịch. Granz thuyết phục Fitzgerald ký hợp đồng với anh ta; đó là sự khởi đầu của một mối quan hệ kinh doanh lâu dài và tình bạn. Fitzgerald tham gia Philharmonic tour.Fitzgerald đã làm việc với Louis "Satchmo" Armstrong trong một số dự án. Từ năm 1956 đến năm 1964, cô thu âm các bản cover * âm nhạc của các nghệ sĩ khác, bao gồm Cole Porter, Irving Berlin, Rodgers và Hart, và Gershwins. Một bộ sưu tập các giai điệu đó được gọi là The Great American Songbook.Màn hình nhỏFitzgerald bắt đầu xuất hiện trên các chương trình tạp kỹ truyền hình. Cô ấy là một khách mời trên Bing Crosby hiển thị, Frank Sinatra Hiển thị, và Chương trình tối nayVới lịch trình lưu diễn dày đặc như vậy, Ella và Ray thường xuyên vắng nhà, điều này khiến mối quan hệ của họ với con trai trở nên căng thẳng. Cuối cùng thì Ella và Ray Jr cũng hàn gắn được mối quan hệ của họ. Tuy nhiên, lịch trình bận rộn cũng khiến cuộc hôn nhân của cặp đôi trở nên căng thẳng và họ đã ly hôn vào năm 1958. Tuy nhiên, họ vẫn là bạn bè trong phần còn lại của cuộc đời.Năm sauFitzgerald vẫn tiếp tục làm việc chăm chỉ như thuở mới vào nghề, bất chấp những ảnh hưởng xấu đến sức khỏe của cô. Đôi khi cô ấy biểu diễn hai buổi một ngày, ở những thành phố cách nhau hàng trăm dặm. Năm 1974, cô đã dành hai tuần biểu diễn ở New York với Frank Sinatra và Bá tước Basie. Năm 1979, Fitzgerald được giới thiệu vào Nhịp đập xuống tạp chí Hall of Fame, và cô cũng nhận được Danh hiệu Trung tâm Kennedy vì những đóng góp liên tục của cô cho nghệ thuật. Cô cũng được chẩn đoán mắc bệnh tiểu đường, nguyên nhân là do thị lực của cô không tốt. Tuy nhiên, cô đã trở lại sân khấu và tiếp tục làm việc với lịch trình dày đặc. Đến những năm 1990, Fitzgerald đã thu âm hơn 200 bài hát, và vào năm 1991, cô đã tổ chức buổi hòa nhạc cuối cùng của mình tại Carnegie Hall ở New York. Cô đã biểu diễn ở đó 26 lần. Khi bệnh tiểu đường ngày càng trầm trọng, Fitzgerald gặp các vấn đề nghiêm trọng về tuần hoàn và phải cắt cụt cả hai chân dưới đầu gối. Cô ấy không bao giờ hồi phục hoàn toàn sau cuộc phẫu thuật và hiếm khi có thể thực hiện. Cô đã dành thời gian trong sân của mình với Ray Jr. và cháu gái của cô.Một giọng nói bị tắt tiếngVào ngày 15 tháng 6 năm 1996, Ella Fitzgerald qua đời tại ngôi nhà ở Beverly Hills của cô. Hài cốt của bà được an táng trong Lăng mộ Sứ mệnh Hoàng hôn tại Nghĩa trang Công viên Inglewood ở Inglewood, California. Fitzgerald đã nhận được nhiều giải thưởng. Năm 1987, Tổng thống Ronald Reagan đã trao tặng cô Huân chương Nghệ thuật Quốc gia. Đó là một trong những khoảnh khắc được đánh giá cao nhất của cô. Pháp đã làm theo vài năm sau đó, trao cho cô giải thưởng Chỉ huy Văn học và Nghệ thuật của họ, trong khi Yale, Dartmouth và một số trường đại học khác trao bằng tiến sĩ danh dự.


* Để cover có nghĩa là người khác đã thu âm giai điệu trước đó và Fitzgerald đã ghi lại giai điệu đó bằng giọng nói và phong cách của riêng cô ấy.


Ella Fitzgerald - Lịch sử

Ella Fitzgerald là người da đen đầu tiên từng giành giải Grammy

Mặc dù sống trong thời kỳ mà âm nhạc ở Mỹ được chia thành hai thể loại & # 8212 nhạc đại chúng và nhạc đua & # 8212, ca sĩ biểu tượng, Ella Fitzgerald, vẫn cố gắng trở thành nghệ sĩ Da đen đầu tiên giành giải Grammy.

Fitzgerald sinh ngày 25 tháng 4 năm 1917 tại Virginia. Do miền Nam bị phân biệt chủng tộc nặng nề, gia đình cô chuyển đến Yonkers, New York. Ngay từ khi còn nhỏ, cô đã phải đối mặt với những tình huống hết sức khó khăn. Mẹ cô qua đời trong một vụ tai nạn xe hơi và cha dượng của cô thì ngược đãi. Bản thân cô bắt đầu trốn học và biểu diễn ở các góc phố ở Harlem để kiếm tiền.

Tuy nhiên, khi còn là một thiếu niên, cô đã rất tài năng trong việc biểu diễn nghệ thuật. Cô ấy đã hát cho các bạn cùng lớp và các thành viên trong gia đình của mình, và thậm chí còn có cơ hội biểu diễn với dàn hợp xướng của nhà thờ, nơi cô ấy nói rằng cô ấy thực sự đã được đào tạo về giọng hát và phong cách của mình. Năm 1934, ở tuổi 17, Fitzgerald biểu diễn tại Nhà hát Apollo nổi tiếng ở thành phố New York và giành được giải thưởng 25 đô la cho Đêm nghiệp dư. Tuy nhiên, thật không may, vì ngoại hình và cách ăn mặc tồi tệ của cô ấy, họ đã không cho cô ấy cơ hội được đăng ký một tuần ở Apollo, nơi được cho là một phần của giải thưởng chiến thắng.

Tuy nhiên, điều này không ngăn cản cô và cô bắt đầu chơi các hợp đồng biểu diễn quanh thành phố New York. Năm 1938, cô đồng sáng tác bài hát nổi tiếng "A-Tisket, A-Tasket", bài hát cuối cùng sẽ đưa cô đến với danh tiếng toàn quốc. Sau đó cô đã được ký hợp đồng với Decca Recordings và sau đó là Verve Records.

Năm 1958, hơn 20 năm sau buổi biểu diễn đầu tiên tại Nhà hát Apollo, Ellla Fitzgerald trở thành người Mỹ gốc Phi đầu tiên giành giải Grammy. Trên thực tế, đêm đó cô đã giành được hai giải Grammy cho Màn trình diễn nhạc Jazz xuất sắc nhất, Nghệ sĩ độc tấu cho & # 8220Ella Fitzgerald Sings the Duke Ellington Songbook & # 8221 và Màn trình diễn giọng ca pop nữ xuất sắc nhất cho & # 8220Ella Fitzgerald Sings the Irving Berlin Songbook. & # 8221

Trong suốt sự nghiệp của mình, cô đã giành được tổng cộng 14 giải Grammy và thậm chí còn nhận được Giải thưởng Thành tựu trọn đời vào năm 1967. Đáng buồn thay, cô qua đời vào ngày 15 tháng 6 năm 1996, ở tuổi 79, nhưng huyền thoại của cô vẫn sống mãi nhờ âm nhạc của cô.


Cuộc sống đầu đời và gia đình

Ella Jane Fitzgerald sinh ngày 25/4/1917 tại Newport News (Virginia, Mỹ). Ella lớn lên trong hoàn cảnh nghèo khó - cha cô bỏ gia đình, mẹ cô mất sớm trong một vụ tai nạn. Ở trường, cô gái mồ côi người Mỹ gốc Phi sẵn sàng ca hát, yêu thích nhảy múa, nhưng cô khó nhận ra tài năng bẩm sinh vì tính nhút nhát bẩm sinh. Trên thực tế, Fitzgerald thích mơ ước sự nghiệp của một vũ công chuyên nghiệp, nhưng vào năm 1932, cuộc sống tại gia của cô đổ vỡ với cái chết của mẹ cô và sự đối xử ngược đãi của cha dượng (Shadwick, 2007).

Bài luận hay nhất của bạn chỉ là một cú nhấp chuột!

Cần lưu ý rằng gia đình của Ella tuân thủ các nguyên tắc của Methodism họ thường tham dự các buổi lễ nhà thờ và ngày Chủ nhật. Cô bé Ella học Kinh thánh từ khi còn nhỏ và yêu thích các bài thánh ca. Giống như nhiều ca sĩ da màu thời đó, cô gái đã phát triển tài năng âm nhạc tuyệt vời của mình thông qua việc hát các bài thần linh và phúc âm.

Bất chấp hoàn cảnh gia đình nghèo khó, Ella vẫn là một đứa trẻ kiên cường và tốt bụng. Giống như tất cả những đứa trẻ Mỹ gốc Phi trong khu của cô, cô thích khiêu vũ, phim ảnh, âm nhạc và thậm chí cả thể thao. Khi mẹ cô qua đời, Ella chuyển đến sống với dì ở Harlem. Cô gái bỏ học và biến mất trên đường phố. Vào buổi tối, Ella Fitzgerald kiếm tiền khi khiêu vũ trong các câu lạc bộ. Điều này tiếp tục trong hai năm, và vào năm 1934, cô gái nghèo bỏ nhà ra đi.

Khởi đầu sự nghiệp

Năm 1934, Ella đến New York và ghi âm trong một cuộc thi nghiệp dư. Buổi biểu diễn của cô tại nhà hát Harlem nổi tiếng & # 8220Apollo & # 8221 thực sự vô song, và các nhà phê bình âm nhạc đã xác nhận rằng đó là một thành công vang dội. Ella đã biểu diễn hai bài hát bằng một giọng khỏe đến mức những khán giả sững sờ phải vỗ tay. Trong buổi biểu diễn của mình, cô được tháp tùng bởi dàn nhạc của Benny Carter. Ngay sau đó, Ella Fitzgerald tham gia cuộc thi khác và giành chiến thắng một lần nữa. Như một phần thưởng, cô đã biểu diễn cùng với dàn nhạc của chương trình Tiny Brad trong suốt tuần. Chính tại cuộc thi này, cô đã thu hút được sự chú ý của người đứng đầu ban nhạc jazz swing Chick Webb, người đã đề nghị cô gái trở thành nghệ sĩ độc tấu trong ban nhạc của anh ấy. Nó trở thành điểm khởi đầu cho hành trình dài của cô trên sân khấu.

Năm 1942, Fitzgerald rời nhóm để theo đuổi sự nghiệp solo. Khi ký hợp đồng thu âm với Decca, cô đã viết một số bản hit nổi tiếng với các nghệ sĩ như Ink Spots, Louis Jordan, và Delta Rhythm Boys. Trong thời gian Ella xuất hiện ở chân trời nhạc jazz, xu hướng âm nhạc cốt lõi đã xoay chuyển với dòng giai điệu rõ ràng của nó. Khi dần dần nó được thay thế bằng các loại & # 8220cheeky & # 8221 bebop, chính Ella Fitzgerald là người đã giới thiệu các hình thức ngẫu hứng giọng hát jazz mới. Cô ấy thậm chí còn tự gọi mình là “một nhạc cụ khác trong dàn nhạc”.

Sự nghiệp nghệ thuật của Ella Fitzgerald

Cố gắng tìm ra con đường riêng của mình trong nhạc jazz, Ella Fitzgerald đã lao đầu vào công cuộc tìm kiếm sáng tạo. Vào thời điểm đó, cô không được coi là một ca sĩ nhạc jazz, tuy nhiên Fitzgerald mới là ngôi sao nhạc pop nổi tiếng được lăng xê. Con đường đến với nhạc jazz của cô khá gian nan và tốn nhiều thời gian. Có thể mô phỏng cách hát của Louis Armstrong suốt những năm đầu nhưng cô vẫn chưa cảm nhận được hương vị nhạc jazz. Mong muốn hát nhạc jazz đến với cô sau đó rất nhiều. Cần phải chỉ ra rằng việc giao tiếp thường xuyên với Armstrong, Basie, Ellington và những người trẻ tuổi, những người như Ella, đang tìm kiếm những cách mới và sáng tạo có ảnh hưởng quyết định đến sự phát triển nghệ thuật của cô.

Đến giữa những năm bốn mươi, Fitzgerald hoàn toàn trở thành một ca sĩ khác mà cô không còn muốn hát bài hát của người khác & # 8217s nữa, cũng như bắt chước các bản ngẫu hứng của người khác. Ella cảm thấy đã sẵn sàng để ứng biến bản thân và cô ấy có điều gì đó muốn nói với công chúng. Khi chiến tranh kết thúc, kỷ nguyên của bebop bắt đầu. Chẳng bao lâu, thế giới đã phát hiện ra một ngôi sao nhạc jazz mới. Ella với giọng hát của mình đã xóa nhòa ranh giới giữa nhạc cụ và giọng hát mà cô ấy có thể tạo ra các ngẫu hứng giọng hát trên âm tiết (sc). Ella Fitzgerald đã hoàn thiện kỹ thuật bậc thầy này. Đỉnh cao sự nghiệp của cô là vào những năm sáu mươi. Norman Granz trở thành người quản lý của Fitzgerald và là bàn tay hướng dẫn vững chắc của cô. Anh đã giúp cô tạo ra nhãn hiệu cá nhân & # 8211 Verve Records, trở thành chìa khóa trong cuộc đời cô. Năm 1952, album solo mang lại danh tiếng chưa từng có cho ca sĩ được phát hành. Album này được theo sau bởi sự phát hành của một số album khác. Fitzgerald bắt đầu biểu diễn không chỉ ở Mỹ, mà còn đi lưu diễn ở nhiều nước. Cô đã giành được mọi giải thưởng lớn về ca hát nhạc jazz với sự lặp lại như vậy để khiến mối quan tâm thực sự duy nhất đối với bộ phận giọng ca nữ của bất kỳ cuộc bình chọn nhạc jazz nào nằm ở vị trí thứ hai (Robinson, 1961).

Fitzgerald có một cảm giác hoàn hảo về nhịp điệu và ngữ điệu. Sự nhạy cảm của cô ấy đối với sự hài hòa chỉ đơn giản là tuyệt vời. Một trong những dự án chưa thực hiện lớn nhất trong sự nghiệp của Ella Fitzgerald là sự hợp tác với Frank Sinatra. Họ chưa thu âm một phòng thu chung hay một album trực tiếp nào. Tuy nhiên, Sinatra và Fitzgerald đã xuất hiện cùng nhau trong nhiều chương trình truyền hình khác nhau. Giờ đây, với tư cách là một biểu tượng showbiz, cô là một trong những nghệ sĩ được Frank Sinatra mời tham gia Gala nhậm chức của Tổng thống John F Kennedy & # 8217s 1961 (Shadwick, 2007).

Thành quả nhất đối với Fitzgerald là sự hợp tác với các nhạc sĩ như Bill Kenny và nhóm thanh nhạc The Ink Spots, Louis Armstrong, nghệ sĩ guitar Joe Pass, Bá tước Basie và Duke Ellington. Không còn nghi ngờ gì nữa, Ella Fitzgerald đã có ảnh hưởng đến tất cả các thế hệ nhạc sĩ nhạc jazz tiếp theo, và không thể đánh giá quá cao tính hoành tráng của di sản nghệ thuật của bà. Các ca khúc nổi tiếng như “Dream a Little Dream of Me”, “Summertime”, “Mack The Knife”, “Black Coffee”, “Sunshine of Your Love”, “Cry Me a River”, “Ai đó để xem qua tôi” bài hát của những người yêu nhạc jazz trên toàn cầu.

Tiết kiệm thời gian của bạn cho một cái gì đó thú vị! Vì vậy, đừng đợi lâu nữa hãy làm những công việc viết lách nhàm chán của bạn. Nhận trợ giúp học tập chuyên nghiệp của chúng tôi trực tuyến 24/7.

Những người may mắn được xem một buổi biểu diễn trực tiếp của Fitzgerald trẻ tuổi nhớ lại cách cô gái nhút nhát này đột nhiên nở rộ trên sân khấu, đôi mắt cô ấy bắt đầu sáng và giọng hát của cô ấy làm say đắm cả hội trường từng nốt nhạc. Sức mạnh của giọng hát của cô ấy đã gây ấn tượng với mọi người - những công chúng bị ảnh hưởng sau đó kể rằng thậm chí những chiếc ly pha lê đã vỡ trong buổi biểu diễn trực tiếp của cô ấy. Giọng nói của Ella Fitzgerald & # 8217s được mô tả là nghe giống một nhạc cụ hơn bất kỳ con chuột nào khác trong thế kỷ này (Nagueyalty, 2001).

Theo thời gian, ca sĩ trở thành thiên tài trong & # 8220scat & # 8221 - một kỹ thuật đặc biệt, trong đó người đó bắt chước âm thanh của nhạc cụ. Ví dụ, cô ấy đã làm điều đó trong bài hát “Lemon Drop” - giọng của Fitzgerald là & # 8220competing & # 8221 và & # 8220talking & # 8221 ngang hàng với các nhạc cụ khác trong dàn nhạc.

Những năm cuối đời

Giọng ca sĩ & # 8217s đã xuống cấp vào giữa những năm 70. Cô gần như hoàn toàn ngừng biểu diễn và thu âm từ năm 1991. Năm 1993, cô tổ chức buổi hòa nhạc cuối cùng tại San Francisco. Ella Fitzgerald rất ốm yếu trong những năm cuối đời. Các bác sĩ đã cắt cụt cả hai chân vì bệnh tiểu đường của cô. Cô đã dành những năm cuối đời ở Beverly Hills trong điền trang của mình. Vào giữa tháng 6 năm 1996, ca sĩ qua đời.

Đời tư

Ella Fitzgerald Ella kết hôn lần đầu tiên vào năm 1941 với Benny Carnegie. Hai năm sau, cuộc hôn nhân tan vỡ. Lần thứ hai bà kết hôn vào năm 1947. Lần này, một ca sĩ nhạc công bass Ray Brown trở thành chồng bà. Họ sống với nhau cho đến năm 1953, nhưng cuộc sống gia đình cản trở sự nghiệp của bà, và đó là lý do ly hôn của họ. Bất chấp sự rạn nứt của mối quan hệ gia đình giữa Ella và Ray, sự hợp tác âm nhạc của họ vẫn chưa dừng lại. Ngoài ra, cháu trai Ella & # 8217s được cặp vợ chồng nhận nuôi đã liên kết các cặp vợ chồng cũ. Khi cậu bé lớn lên, giống như cha mẹ nuôi của mình, cậu quyết định gắn cuộc đời mình với âm nhạc.

Năm 1957, báo chí đã viết về đám cưới được cho là của Ella Fitzgerald và Thor Larsen. Thông tin này vẫn ở mức độ tin đồn, bởi vì Larsen trở thành kẻ lừa đảo. Sau khi bà qua đời, rõ ràng Fitzgerald đã giữ bí mật về cuộc sống riêng tư của bà. Cô ấy tránh xa các cuộc phỏng vấn và các câu hỏi cá nhân, chỉ cho phép giọng nói và âm nhạc nói chuyện với cô ấy (Nagueyalty, 2001).

Ella Fitzgerald và Jazz

Trong nhiều thập kỷ, các nhà chức trách đã cố gắng cấm nhạc jazz, im lặng và bỏ qua nó, nhưng sức mạnh của âm nhạc mạnh hơn tất cả những giáo điều. Đến thế kỷ XXI, nhạc jazz đã đạt được một trong những điểm cao nhất trong sự phát triển của nó và không có ý định làm chậm lại tốc độ. Jazz không chỉ đơn giản là âm nhạc - nó còn thể hiện cái nhìn, cảm nhận và tâm trạng (Margena, 2014).

Các tính năng chính của nhạc jazz là ngẫu hứng và tự do nhịp điệu, cũng như giai điệu thở tự do. Nhạc công nhạc jazz có thể ngẫu hứng tập thể hoặc biểu diễn solo trên nền nhạc đệm. Các nhạc sĩ nhạc jazz tin rằng nếu trái tim rùng mình và ngừng đập khi nhịp đàn piano của những ngón tay chạy trốn được nghe từ một nơi nào đó trong chiều sâu của một cảnh, và ánh sáng sax rực rỡ từ những tia sáng của ánh đèn sân khấu có thể nhìn thấy trong mắt, nếu một buổi tối được trải qua một cách thư thái và không khí vui vẻ là những gì người đó tìm kiếm, sau đó jazz là âm nhạc mà họ cần.

Jazz có nguồn gốc từ sự pha trộn giữa các nền văn hóa âm nhạc Châu Âu và Châu Phi, xuất hiện sau khi người Châu Âu khám phá ra Châu Mỹ. Văn hóa châu Phi khi đối mặt với nô lệ da đen đã được vận chuyển từ bờ biển phía tây của châu Phi đến châu Mỹ. Nó đưa tính ngẫu hứng, chất dẻo và nhịp điệu vào nhạc jazz, trong khi người châu Âu đưa giai điệu và sự hài hòa của âm thanh cũng như các tiêu chuẩn phụ và chính.

Ella Fitzgerald không được đào tạo về âm nhạc, cô ấy không bao giờ đi học hát và không cần khởi động trước khi biểu diễn. Cô ấy có giọng nữ cao, nhưng cô ấy có thể hát cả trên và dưới. Phạm vi giọng nói của cô là ba quãng tám, từ D bằng của quãng tám thứ đến D bằng của quãng tám thứ ba. Về mặt kỹ thuật, cô ấy có một cảm giác nhịp điệu hoàn hảo và tinh vi, ngữ điệu hoàn hảo, và một khả năng cảm thụ hài hòa phi thường (Nagueyalty, 2001).

Các nhà phê bình âm nhạc đồng ý rằng không giống như nhiều ca sĩ nổi tiếng khác, Ella Fitzgerald sở hữu một giọng hát thực sự độc đáo và có giá trị, âm thanh có thể được gọi là đẹp nhất và hoàn hảo nhất trong số những người từng được nghe. Fitzgerald có âm vực giọng lớn hơn hầu hết các ca sĩ opera. Nhiều người trong số họ, bao gồm Dietrich Fischer-Dieskau, là những người hâm mộ tác phẩm của cô. Ella Fitzgerald đã thực sự sống bằng giai điệu, cô ấy đã ghi chép từng nốt nhạc mà không cần nỗ lực hay khó khăn.

Cách tốt nhất để biết cách viết bài luận hay là nhận mẫu bài luận từ các chuyên gia có năng lực trực tuyến.
Chúng tôi có thể cung cấp cho bạn những ví dụ bài luận mà bạn cần cho việc học sau này.

Ví dụ về bài luận miễn phí có ở đây.

Theo Fitzgerald, không dễ dàng gì để nói chuyện trước đám đông đông người. Cô ấy rất khiêm tốn và nhút nhát, cô ấy không duy trì mối quan hệ ngay cả với những nhạc sĩ mà cô ấy đã làm việc thành công, chỉ gặp họ trong các buổi thu âm và buổi hòa nhạc.

Ella Fitzgerald đã tích cực giúp đỡ các tổ chức từ thiện như Hiệp hội Tim mạch Hoa Kỳ và Trung tâm Y tế Quốc gia & # 8220 Thành phố Hy vọng & # 8221. Năm 1993, cô thành lập quỹ từ thiện mang tên mình, chuyên về giáo dục, giúp đỡ các nhạc sĩ trẻ, cũng như nghiên cứu về bệnh tiểu đường và chăm sóc bệnh nhân. Ngoài ra, Quỹ còn tham gia vào nhiều chiến dịch, một trong số đó có tên là A Book Just for Me! Nó cung cấp hơn một trăm nghìn cuốn sách mới cho trẻ em từ các gia đình có thu nhập thấp hàng năm. Những sự thật này, cùng với sự giản dị cổ điển và sự khiêm tốn thực sự của cô, đã khiến Fitzgerald trở thành một nghệ sĩ giải trí có một không hai, một huyền thoại thực sự trong thời đại của cô (Nagueyalty, 2001).

Ella Fitzgerald hát hòa tan trong âm nhạc. Cô ấy dường như quên hết mọi thứ chỉ trở thành một đống nhạc jazz. Chỉ có cô ấy mới có thể dễ dàng ứng biến với giọng nói và văn bản, tự do bay bổng trong âm nhạc, có thể dễ dàng thay đổi giọng nói của mình và liên tục tô điểm cho những giai điệu vốn đã biết.

Kết luận, cần lưu ý rằng giọng hát của Emma Fitzgerald được coi là thanh lịch nhất trong lịch sử nhạc Jazz. Ella Fitzgerald là ca sĩ xuất sắc, người có khả năng phân chia hoàn hảo. Mọi người luôn hiểu cô ấy hát gì, từng lời và từng âm thanh của cô ấy. Hạn chế duy nhất của Jazz Queen (tuy nhiên, hơi tò mò) là Ella rất vui vẻ và không thể hát quá trữ tình. Ngay cả trong sáng tác "Love for Sale", cô ấy đã nghe rất vui và hạnh phúc. Dù đó là gì, khi các nhà phê bình đánh giá tổng thể sự nghiệp của cô, họ đi đến kết luận rằng Ella Fitzgerald là nữ ca sĩ nhạc jazz vĩ đại nhất.


Câu chuyện về 'Ella và Louis,' 60 năm sau

Mười chín năm mươi sáu là một năm xác định cho nền âm nhạc đại chúng của Mỹ. Nền tảng của rock and roll đã được củng cố khi Elvis Presley, mới ký hợp đồng với RCA Victor, phát hành album đầu tiên cùng tên của mình. Ban nhạc rock khó tính hơn Johnny Burnette và Rock and Roll Trio cũng làm như vậy. Các bản nhạc jazz phát hành trong năm cũng mang tính biểu tượng: “Chet Baker Sings” giúp tạo ra âm thanh Bờ Tây mượt mà hơn và Nhóm Miles Davis cuối cùng sẽ tìm thấy bốn album có thời lượng đầy đủ bằng chất liệu bop cứng được ghi lại chỉ trong hai buổi kéo dài một ngày. Có phép thuật đến từ mọi góc của sự thể hiện âm nhạc & # 8212 Glenn Gould, Sonny Rollins, The Jazz Messengers, Fats Domino & # 8212 nhưng một album, phát hành vào tháng 10 năm đó, là cuộc cách mạng thầm lặng của chính nó.

Bìa album là hình ảnh hai người da đen trung niên, ngồi trên những chiếc ghế xếp. Người phụ nữ ngoài ba mươi tuổi, người đàn ông ngoài năm mươi. Cô ấy mặc một chiếc váy liền in họa tiết và biểu cảm nhăn nhó với đôi tất trắng của người đàn ông được cuộn ở mắt cá chân. Một chiếc kèn được đặt trên đùi của anh ấy, hỗ trợ cánh tay khoanh lại của anh ấy. Không có thông tin bằng văn bản nào trên trang bìa ngoài tên của hãng thu âm: “Verve”. “Bản ghi toàn cảnh có độ trung thực cao thực sự.” Trên cột sống là tiêu đề của album: “Ella và Louis.”

Lần đầu tiên trong ba lần hợp tác thành công giữa Ella Fitzgerald và Louis Armstrong, “Ella và Louis” gần như hoàn hảo. Đó là một trong những tác phẩm nghệ thuật & # 8212 và chúng không xuất hiện thường xuyên & # 8212 dường như đã luôn tồn tại. Nó có sự góp mặt của hai nghệ sĩ vĩ đại nhất thế kỷ được sản xuất: Armstrong, nhà đổi mới và đại sứ của nhạc jazz, và Fitzgerald, ca sĩ tài năng nhất của nó. Album được sản xuất bởi một người đàn ông gần như chỉ chịu trách nhiệm đưa nhạc jazz vào lĩnh vực được tôn trọng và phân biệt đối tượng khán giả của nó, người đã thành lập hãng phát hành nó và tập hợp đội ngũ nhạc sĩ toàn sao đã làm nên điều kỳ diệu. “Ella và Louis” đã giúp khơi gợi lại sự quan tâm đến thứ sẽ được gọi là The Great American Songbook. Mặc dù nó là thứ mà chỉ có nền văn hóa Mỹ mới có thể tạo ra, "Ella và Louis" cũng là thứ mà một phần lớn xã hội Mỹ đã nỗ lực để ngăn chặn.

Nó bắt đầu với Norman Granz, nhà sản xuất, nhà quảng bá và đến năm 1955, người quản lý của Ella Fitzgerald. “Bất kỳ cuốn sách nào về cuộc đời tôi,” Granz nói với người viết tiểu sử Tad Hershorn, “sẽ bắt đầu với triết lý cơ bản của tôi về việc chống lại định kiến ​​chủng tộc. Tôi yêu nhạc jazz, và nhạc jazz là cách của tôi để làm điều đó. ” Granz tận dụng danh tiếng vốn đã được ca tụng của Fitzgerald để đảm bảo các hợp đồng biểu diễn có uy tín hơn và được trả lương cao hơn. Khi điều đó đã hoàn thành, anh ấy đã tận dụng sự nổi tiếng của cô ấy để phân tích các địa điểm riêng biệt: Nếu bạn muốn có Ella, bạn đã tích hợp khán giả của mình.

Triết lý của Granz rất đơn giản: ông coi nhiều nghệ sĩ nhạc jazz vĩ đại như những nghệ sĩ đẳng cấp thế giới và tin rằng họ nên được trả lương như vậy. Theo đó, vào năm 1944, ông đã thành lập Jazz tại Philharmonic ở Los Angeles, mang một buổi giao lưu hộp đêm đến một địa điểm tổ chức hòa nhạc. Buổi biểu diễn đã cháy vé và bản thu âm trực tiếp là một tác phẩm bán chạy nhất. Các chuyến lưu diễn tiếp theo của JATP sẽ bao gồm những tên tuổi lớn nhất trong làng nhạc jazz.

Nó không bao giờ là dễ dàng. Một lần, tại một buổi hòa nhạc của JATP ở Houston, Texas, Granz bắt gặp một đội phó, người mà Granz cho rằng đang trồng ma túy trong nhà vệ sinh trong phòng thay đồ của Fitzgerald. Khi đối đầu, cảnh sát dí súng vào bụng Granz, nói: "Tôi phải bắn anh." Granz đã đẩy mạnh chống lại sở cảnh sát Houston, kết quả là vụ án bị bỏ rơi.

Đồng thời với việc tiếp quản vị trí quản lý của Ella Fitzgerald, Granz đã thông báo về việc thành lập Verve Records. “Tôi quan tâm đến cách tôi có thể nâng cao vị thế của Ella, để biến cô ấy trở thành ca sĩ không chỉ là những người hâm mộ nhạc jazz được hâm mộ”, anh nói. “Vì vậy, tôi đã đề xuất với Ella rằng album Verve đầu tiên sẽ không phải là một dự án nhạc jazz, mà là một cuốn sách bài hát gồm các tác phẩm của Cole Porter. Tôi đã hình dung cô ấy sẽ làm rất nhiều nhà soạn nhạc. Bí quyết là thay đổi phần hỗ trợ đủ để, ở đây và ở đó, sẽ có những dấu hiệu của nhạc jazz. "

“Khi tôi thu âm Ella,” Granz nhớ lại, “Tôi luôn đặt cô ấy ra phía trước, không phải sự pha trộn. Lý do là tôi thẳng thắn không quan tâm đến những gì đã xảy ra với âm nhạc. Nó đã ở đó để hỗ trợ cô ấy. Tôi đã từng có nhạc trưởng nói với tôi rằng ở quán bar 23, người thổi kèn đã đánh sai một nốt nhạc. Tôi không quan tâm. Tôi đã không tạo ra những bản ghi hoàn hảo. Nếu họ xuất hiện một cách hoàn hảo, tốt. Nhưng tôi muốn tạo ra những bản thu âm mà Ella nghe hay nhất ”. Album đầu tiên của Verve, “Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook,” đã bán được 100.000 bản trong tháng đầu tiên.

Ella Fitzgerald và Norman Granz. Ảnh qua The Jazz Word.

Vào ngày 15 tháng 8 năm 1956, buổi biểu diễn của JATP tại Hollywood Bowl đã trở thành sự kiện được tham dự nhiều nhất trong lịch sử của địa điểm mặc dù 11 năm trước, họ đã nói với Granz rằng họ sẽ không bao giờ tổ chức một sự kiện với từ “jazz” trong tiêu đề. Chương trình có sự góp mặt của Louis Armstrong và His All Stars, Ella Fitzgerald, Art Tatum, và Oscar Peterson & # 8212, một nghệ sĩ dương cầm nổi tiếng Granz được đưa đến Hoa Kỳ từ quê hương Canada.

Ngày hôm sau, Fitzgerald và Armstrong gặp nhau tại Capitol Studios mới ở Hollywood trong một buổi ghi hình. “Ý tưởng của tôi là ghi lại hai người họ nhiều nhất có thể,” Granz nói sau đó, “bởi vì tôi có đủ loại ý tưởng để sử dụng Louie với Ella.” Ban nhạc hỗ trợ điêu luyện là Bộ tứ Oscar Peterson, với Ray Brown chơi bass, Herb Ellis chơi guitar và Buddy Rich chơi trống. Sản phẩm, mười một bài hát được thu âm chỉ trong một ngày, sẽ trở thành “Ella và Louis”.

Với tất cả sức mạnh âm nhạc liên quan, nó là một tập hợp thấp. Hầu hết các bài hát đều thuộc thể loại trầm, được cố định bởi thời điểm và ngữ điệu hoàn hảo của tay bass Ray Brown. Giọng hát được trộn đều ở phía trước, như trong bất kỳ bản thu âm nhạc pop nào. Granz sản xuất, nhưng Armstrong được cho là có tiếng nói cuối cùng về các bài hát và phím. Tài liệu chủ yếu được lấy từ các giai điệu chương trình và nhạc kịch của Fred Astaire từ thời kỳ Đại suy thoái, được viết bởi các bậc thầy như George và Ira Gershwin, Irving Berlin, và Hoagy Carmichael. Danh sách bài hát là một danh mục của một số giai điệu mạnh nhất từng được hình thành.

Fitzgerald đang ở đỉnh cao phong độ với tư cách là ca sĩ hát trong “Ella and Louis”. Chuyển động và cao độ của cô ấy là hoàn hảo. Cô ấy là ngọn gió dưới chiếc lá mùa thu rơi trên “Moonlight in Vermont,” bất chấp lời bài hát không vần và đôi khi có phần cụt lủn (vì lý do nào đó, mỗi câu thơ đều là haiku). Cô ấy thực hiện một số bước nhảy ngẫu hứng đáng kinh ngạc & # 8212 không bao giờ mâu thuẫn với giai điệu & # 8212 nhưng luôn luôn tự tin vào đôi chân của mình.

Armstrong là đối tác mang phong cách riêng của cô ấy. Tiếng kèn của anh ấy vẫn tuyên bố như mọi khi. Mặc dù các chuyến lưu diễn liên tục bắt đầu mất phí, nhưng nốt nhạc thỉnh thoảng bị bong tróc của anh ấy giống như sự nhiệt tình hơn. Anh ấy không bao giờ quên câu châm ngôn của người cố vấn “Papa” Joe Oliver: “Hãy tạo cho mình một vị trí dẫn đầu và bạn tuân thủ nó: Hầu hết các bản độc tấu kèn trumpet của Armstrong trên “Ella and Louis” là bản tóm tắt lại giai điệu của bài hát, mặc dù có sự phân phối của ban nhạc kèn đồng dòng thứ hai. Những phần hòa âm của anh ấy, giống như giọng hát của anh ấy xung quanh giọng hát của Ella, rất kỳ quặc và đáng yêu. Theo Granz, Armstrong “không bao giờ trì hoãn vật liệu. Anh ấy đã làm những gì anh ấy đã làm, và đó là điều tôi đang cố gắng nắm bắt. Bạn có thể nghe thấy tiếng thở hoặc tiếng thở dài của anh ấy hoặc thay vì từ đó, anh ấy sẽ phát ra âm thanh. Nhưng với tôi đó là chất lượng của nó. "

Ba mươi năm trước, khi thu âm với Hot Five ở Chicago, Armstrong đã cắt giọng hát bằng cách hét vào một chiếc kèn thu âm acoustic. Trong “Ella and Louis”, bạn có thể nghe thấy âm rung rộng của anh ấy tan biến thành hơi thở phập phồng, hoặc giọng điệu của anh ấy đột ngột giảm xuống một giọng nam trung trầm, như thể chiếc micrô đã được đặt vào chính trái tim anh ấy. Đó là một sự thân mật được làm cho quý giá hơn thông qua sự không hoàn hảo.

Con đường chấp nhận văn hóa của Louis Armstrong còn dài. Năm 1932, năm bài hát “April in Paris” của “Ella and Louis” được sáng tác, Armstrong xuất hiện trong bộ phim ngắn “A Rhapsody in Black and Blue” với bộ trang phục da báo, với vai trò nhạc công cho cảnh mơ đầy bong bóng có tên Jazzlandia. Cách chơi của anh ấy thật đáng kinh ngạc như sự tự phụ về phân biệt chủng tộc trong phim. “Ồ, giọt sô cô la, đó là tôi,” anh ấy hát:

‘Vì tóc tôi xoăn

Chỉ bởi vì răng của tôi không giống nhau

Chỉ vì tôi luôn nở một nụ cười

Tôi thích ăn mặc theo phong cách mới nhất

Chỉ vì tôi vui vì tôi sống

Ôi, tôi giải quyết mọi rắc rối bằng một nụ cười

Chỉ vì màu của tôi là bóng râm

Có thể làm cho tôi khác biệt

Đó là lý do tại sao họ gọi tôi là Shine

Năm trước, 1931, cảnh sát Memphis bắt Armstrong vì ngồi cạnh một phụ nữ da trắng trên xe buýt, mặc dù cô ấy là vợ của người quản lý của anh ta.

Năm 1956, Armstrong công khai tẩy chay quê hương New Orleans khi cấm các ban nhạc tổng hợp. Ông sẽ không trở lại biểu diễn ở đó cho đến khi Đạo luật Quyền Công dân hủy bỏ luật vào năm 1964. Năm 1957, ông và khán giả tích hợp của mình là mục tiêu của một âm mưu đánh bom ở Knoxville, Tennessee.

Bởi “Ella and Louis”, Armstrong là đại sứ nhạc jazz được quốc tế công nhận và yêu mến, người không bao giờ đánh mất niềm vui của mình trong mô tả công việc. “Bạn biết đấy, có vẻ như chưa bao giờ chúng tôi thực sự ghi âm, bởi vì anh ấy luôn rất hạnh phúc,” Ella nói về anh ấy.

“Anh ấy vào sân như thể chẳng là gì cả & # 8212 chỉ là sẽ có một quả bóng. Và tôi sẽ luôn bối rối vì tôi [đã] mê mẩn xem anh ấy đến nỗi đôi khi tôi không đến đúng giờ trong bài hát của mình bởi vì anh ấy sẽ xem lại toàn bộ chuyển động & # 8212 & # 8216Sing it, Ella! & # 8217 & # 8212 và anh ấy sẽ nói chuyện và pha trò và pha trò trong khi anh ấy đang nói và bạn không biết mình nên hát hay cười, nhưng đó là kiểu con người anh ấy. "

Russ Garcia, người đã sắp xếp cho album thứ ba “Porgy và Bess” của cặp đôi, đã nhớ mọi thứ hơi khác một chút. “Louis làm cô ấy khó chịu một chút,” Garcia từng cười nói. “When she was singing a beautiful passage, he’d come in with his growling. She’d shoot him a sharp look and go on. It would throw her for a second. But it came off beautifully. Some people call that album ‘Whipped Cream and Sandpaper.'”

Some truly wonderful music was released in 1956. In retrospect, it’s inevitable that talented white boys like Elvis Presley or Johnny Burnette would want to explore black idioms — they could do so, after all, with some grumbling but no censure. It makes sense that jazz pioneers like Art Blakey and Miles Davis and John Coltrane would push the boundaries of the form, but Louis Armstrong had been there first. It was his trumpet playing in the 1920s with the Hot Five that fixed the idea in the public consciousness of an improvisational lead instrument in a small band setting. All the rest, although wondrous, was commentary.

It was perhaps more of a cultural leap, in the middle of that tumultuous century, that two black performers could be considered the best interpreters of white show tunes, and that the extemporaneous heart of jazz could elevate the whole to iconic status, desegregating American popular culture in just eleven songs.

Tom Maxwell is a writer and musician. He likes how one informs the other.


Ella Fitzgerald: Breaking down racial barriers with her voice

In the Archives Center, jazz always seems to be a topic of discussion, whether it be a researcher looking for the Duke Ellington Collection or processing negatives for the Duncan P. Schiedt Photograph Collection. We are constantly pulling, researching, processing, and scanning different jazz-related sheet music, photos, correspondence, and other documents. All the jazz research compelled me to dig deeper into the life of my favorite jazz musician, Ella Fitzgerald.

Among the documents and photos in the Archives Center's collection of Ella Fitzgerald Papers, I found fascinating primary sources pointing at Fitzgerald's connections to the civil rights movement.


Ella Fitzgerald is and always will be remembered for her contributions to jazz and popular song. Her unique, velvety voice is one of the things that separated her from every other rising star of her time. Her voice made her legendary, elevating her to the ranks of jazz icons Duke Ellington and Louis Armstrong. Over her long career, her voice took her to many different venues, cities, and countries. It even took her to places that many African Americans dared not go in the late 1950s and 1960s, an era of racial segregation. Her undeniable talent, however, allowed her to open doors not only for herself, but for the many African American performers who followed her.

In April 1954 Fitzgerald signed a contract making Norm Granz her sole manager. Granz was an avid civil rights activist who fought hard to ensure equality for the musicians he managed, and he did this by fighting to keep their shows free of discrimination.

In October 1955 Granz met with a ticket seller in Houston prior to a Dizzy Gillespie and Ella Fitzgerald performance with the concert tour called Jazz at the Philharmonic (JATP). JATP was a series of concerts and recordings performed by some of the biggest jazz stars of the time and produced by Norman Granz. In Houston, he made sure to tell the ticket seller that this would be an integrated show, and, on October 7, he proceeded to take down the "Negro" and "White" labels from the bathroom doors. Houston had a history of being extremely conservative, so Granz's attempt to integrate the show was not well-received. Once the first show came to its close, police stormed into Fitzgerald's dressing room and arrested Fitzgerald, Gillespie, and other musicians. They were treated as criminals. And yet, once taken to the police station, Fitzgerald recalled still being asked by the police officer for her autograph.

This was not enough to stop Granz from continuing his mission. As Fitzgerald's manager, he wanted to give her as much equal opportunity as possible, and, despite some setbacks, he was met with much success.

It was difficult for venues to deny Fitzgerald on the basis of race when her talent was loved by so many and she could draw huge crowds. Of her fans, one of the most prominent was singer, actress, and icon Marilyn Monroe. She was such a big fan of Fitzgerald that she used her connections to help advance Fitzgerald's career and ultimately allow more people the opportunity to witness her performances.

In October 1957 Monroe made a call to the Mocambo nightclub in Los Angeles, on behalf of Fitzgerald. Monroe used her social status and popularity to make a deal with them. If they allowed Fitzgerald to perform, Monroe promised that she would take a front-row seat every night, and that is exactly what happened. Monroe's presence in the front row, night after night, would create powerful publicity for the club—a deal they found attractive. As a result, Fitzgerald became the first African American to perform at Mocambo, and it gave her career a big boost.


During her life, Fitzgerald was awarded the National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) Equal Justice Award and the American Black Achievement Award, as well as many other honors that celebrated her talents and accomplishments both in the jazz world and in the civil rights movement. Fitzgerald was seen as an inspiration. Her drive pushed her career forward, and by using her talent and help from her friends, colleagues, and manager, she was able to break down seemingly impossible barriers.

Want to learn more about the American experience through the transformative power of jazz? The museum’s Smithsonian Jazz team strongly recommends you check out their website to explore our jazz oral history collection, get tickets to performances by the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra, celebrate Jazz Appreciation Month, and more. Or sign up to receive a monthly jazz e-newsletter from the museum for regular reminders.

Rebecca Kuske completed an internship with the Archives Center at the National Museum of American History.


Ella Fitzgerald (1917-1996)

Ella Fitzgerald was a female jazz singer considered without equal at the height of the jazz era. Her voice had an amazing and vibrant range that allowed her to sing nearly every jazz style. Ella was also an accomplished composer and bandleader who performed into the 1990s.

Born in Newport News, Virginia on April 25, 1917, Ella grew up in Yonkers, New York in poverty. She developed a love of music from a young age and at 17 won an amateur contest at the Apollo Theater in Harlem with her rendition of “Judy” that earning her a week’s engagement at the prestigious entertainment venue. Additionally she was noticed by jazz drummer Chick Webb.

Ella Fitzgerald immediately joined Webb’s band and started performing at Harlem’s Savoy Ballroom. Her first national hit in 1938 was “A-Tisket, A-Tasket,” a jazz version of the nursery rhyme. After Webb’s death in 1939, Fitzgerald led the band for the next three years, a testament to her leadership and talent. In the 1940s Ella had developed a mastery of scatting, bop, and ballad. Her style was not as emotional as rival Billie Holiday’s, but she infused a vibrance and excitement into her music. Among her hits at the height of her popularity were “Lady Be Good,” “How High the Moon,” “Flying Home,” “Undecided,” and a collection of “Songbooks” with compositions from Duke Ellington, George Gershwin, Cole Porter, and others.

In 1943 Ella Fitzgerald became the youngest member of the American Society of Composers, Authors, and Publishers. She wrote several hits during the 1940s including “You Showed Me the Way,” recorded by Billie Holiday, and “Oh, but I Do,” recorded by Nat King Cole.

Ella Fitzgerald continued to perform into the 1980s. In 1991 she won her 13th Grammy award for “All That Jazz” and in was inducted into the National Woman’s Hall of Fame. Over the course of her career, Fitzgerald won thirteen Grammies, sold over 40 million records, performed for 58 years, and elevated jazz singing to new heights. She died in Beverly Hills, California in 1996.


Ella Fitzgerald - History

Fun Facts

  • Ella was born in 1917. She grew up in Yonkers, New York in a busy, vibrant neighborhood. She liked to play baseball with the other kids, listen to music, and dance and sing.
  • Her stepfather, Joe, was a chauffeur and ditch digger. Her mother, Tempie, worked at a laundromat and catered food. To make a little money, Ella sometimes delivered money for gambling operations in the area.
  • Tempie died in 1932 after she was in a serious car accident. Ella was devastated. She went to live with her Aunt Virginia. Joe died of a heart attack not long after and Ella’s little sister Frances joined her.
  • Ella missed her mother terribly. She started skipping school and getting into trouble. Eventually she was arrested by the police and sent to reform school. The people who ran the school were very unkind and sometimes beat her.
  • When she was just 15 years old, she ran away from the school and lived on her own. She later said that this experience made her grateful for her singing success.
  • When she was 17, her name was pulled in a drawing at the Apollo Theater in New York. She got to perform one number for amateur night. She thought she would dance, but another group was so good at dancing that she decided to sing instead.
  • When it was her turn, she looked out at the audience nervously. People booed at her. She took a deep breath and started singing one of her favorite songs. The booing stopped and by the time she was done, the audience cheered and asked for one more song.
  • Benny Carter, a saxophonist, was there that night. He liked her voice and began introducing her to other people in the music business. Ella entered every talent show she could find. Chick Webb offered her a job singing with his band at a rate of $12.50 per week.
  • In 1931, Ella’s song, “A Tisket, A Tasket,” hit number one on the pop charts and sold over a million copies. Ella was on her way!
  • When Chick Webb died unexpectedly, the band changed its name to Ella Fitzgerald and Her Famous Band. Ella was the bandleader.
  • Ella married Ray Brown in 1946 and the couple adopted a son.
  • Ella’s career soared. She sold records, toured the country, and appeared on many television shows.
  • Ella made over 200 records during her life. She was one of the most loved singers of all time. Ronald Reagan gave her the National Medal of Arts. She won many other awards and recognitions.

Vocabulary

  1. Amateur: someone who is not a professional
  2. Chauffeur: someone who drives others for a profession

Frequently Asked Questions

Question:Did Ella have any other children?

Answer:No. However, she was very interested in helping impoverished children and gave thousands of dollars to that cause. She also cared for Frances’s family after her death.


Ella Fitzgerald at 100

For listeners of several generations, Ella Fitzgerald was the first jazz singer we heard, and the first one we loved. Those who were born during the Great Depression and World War II literally grew up with Ella, hearing her first as a teenaged vocalist with Chick Webb’s orchestra, then—after Webb’s death—as a band leader, a solo artist, and an astounding scat singer. Baby Boomers knew her as “The First Lady of Song” who performed the very best songs of Cole Porter, Irving Berlin, and Harold Arlen. In addition, she appeared on many TV variety shows, where she sang with everyone from Duke Ellington to Joan Sutherland. Younger generations first saw her as a matronly figure whose creativity was still in top form, even when her voice failed her. For those who could not yet fathom the melodic distillations of Billie Holiday, the tough-and-tender attitude of Carmen McRae or the pyrotechnical improvisations of Betty Carter, Ella Fitzgerald was there, providing a sunny approach to jazz, and an easily accessible style. (In the William Gottlieb photo at left, notice Dizzy Gillespie‘s rapt attention! By the way, that’s her future husband Ray Brown right behind her the balding head in the foreground belonged to Timme Rosenkrantz.)

One of my favorite Fitzgerald tracks is her wonderful 1958 recording of “Blue Skies”. Originally recorded for “The Irving Berlin Song Book” but omitted from that set because the extended scat solo seemed out of place, the track was first issued on a Playboy Jazz All-Stars LP, and soon after on a Verve compilation album. The recording remained fairly obscure until the CD era, when it was included on several Verve anthologies, and was re-attached to the Berlin album. It is a brilliant example of Ella at her artistic peak. The opening scat cadenzas identify Fitzgerald instantly, and her clear diction and unerring pitch enriches the opening chorus. Harry Edison is there too, offering pungent commentary on muted trumpet. As the first chorus ends, listen to the saxophone figure in the background, and then marvel at how Fitzgerald picks up that riff and runs with it! (This was probably the most subtle aspect of her musical mimicry). As the solo progresses, she repeats ideas at different pitch levels to create flowing melodic lines and rhythmic impetus. With the help of Paul Weston’s fine arrangement, Fitzgerald builds her solo to a stunning climax. When she returns for the final half-chorus of melody, the kinetic energy continues unabated. We can be fairly sure that Fitzgerald improvised every bar of this solo: it was recorded in a marathon session along with 9 other tracks, and it is likely that Fitzgerald read the chart down for this single surviving take. In all probability, she didn’t know that she would have to scat a multi-chorus solo until she saw the music without any preparation, she simply went by her knowledge and instincts, and created a masterpiece in the process.

Like two of her esteemed contemporaries, Fred Astaire and Arturo Toscanini, Ella Fitzgerald was extremely self-critical. Carmen Bradford recalled a backstage talk when the usually nervous Fitzgerald confessed that her performances didn’t always go as well as she hoped (to which the incredulous Bradford replied, “Since when?”). Astaire was confident about his dancing ability, but modest about his talents as a singer. When Mel Tormé was preparing an LP tribute to Astaire, he phoned Astaire to ask for advice. Astaire couldn’t believe that anyone would ever consider making such an album! After a seemingly flawless performance, Toscanini could be surprisingly inconsolable, walking off the podium and muttering to himself all the way back to his dressing room. What were Fitzgerald, Astaire and Toscanini looking for in their performances that the cheering audiences did not sense? We may never know for sure, but it might be that each was looking for that ecstatic joy that occurs when the music takes on a life of its own, raising the emotional and spiritual content of the performance to a higher level. It is significant that Fitzgerald, Astaire and Toscanini were all willing to let the emotions loose, and to allow the music to develop and expand.

Fitzgerald found that ecstatic joy several times in her career, and it is a key element in her wild duet with Louis Armstrong on “Stompin’ at the Savoy”. It starts calmly enough, with Fitzgerald singing the tune in a gently swinging medium tempo. Then Louis Bellson kicks the band into a faster tempo for Fitzgerald’s scat solo. The tempo rises again for Armstrong’s solo, and soon after, things start to spin out of control. What starts as a scat duet becomes a chorus for Armstrong, who tries to develop an arching phrase on a couple of occasions before abandoning it. Fitzgerald rejoins the commotion, revealing her confusion with a repeated “What do we do”. The tempo continues to accelerate, and producer Norman Granz (with the encouragement of Lionel Hampton?) calls for the performance to continue. Các coup de grace occurs when Armstrong makes a remark about Atlantic City, and immediately retracts it: “No, we’re not going to talk about that one!” The reference was to a then-recent concert when an escaped mental patient jumped on the stage and attacked Fitzgerald. Ella could have asked Granz to leave the track (and Armstrong’s remark) in the vault, but apparently Granz issued it without any argument from Ella. In an interview held many years later, Fitzgerald just shook her head with amazement that Armstrong made the reference at all. Apparently, she felt that it was all for the good of the music.

Thrust into a world of supremely talented musicians, Fitzgerald made friends with celebrities she had idolized from afar. She collected their autographs, and was genuinely surprised when those stars asked for her signature in return. She was praised in the mass media by Bing Crosby, Ira Gershwin, Frank Sinatra and Tony Bennett. In a magnanimous gesture, Marilyn Monroe gave Fitzgerald’s career a major push by encouraging the owner of Hollywood’s Tiffany Club to book Fitzgerald Monroe promised to come to Ella’s show every night, guaranteeing constant press coverage (Fitzgerald remembered this incident happening at another LA club, the Mocambo, but April VeVea’s extensively researched article hereproves that it was indeed the Tiffany Club). To show another side of Fitzgerald’s personality, vocalist Carol Sloane recently recalled a personal encounter:

Circa 1975: I am sitting beside Ella Fitzgerald, in the VIP section of a major European airport lounge, awaiting the announcement of our flight departure… I couldn’t resist the golden opportunity to ask: “Ella, is it possible, with your vast repertoire, you have a favorite song?” She replied without hesitation: “Oh yes”, and began to sing the beautiful verse that begins: “I have almost everything a human could desire.” She asked me if I knew it [it was Billy Strayhorn’s “Something to Live For”], and when I said I did, we began to sing the rest of the verse together. Just the two of us. In a quiet corner of a luxury space reserved for exclusive first-class passengers, I knew I was the most privileged of them all.

Fitzgerald had millions of loyal fans, and only a handful of detractors. Not surprisingly, most of the members of the latter group were music critics. In 1962, Nat Hentoff wrote a scathing review where he complained, a major jazz singer must swing, improvise imaginatively and phrase instrumentally. But a major jazz singer must also make each song reflect what she has lived and experienced. Musicianship, however skillful, is not enough. And Ella, technically brilliant as she is, is not emotionally open enough in her singing to merit a place in the first rank of jazz singers. In 1964, Martin Williams—in an otherwise complimentary review—stated that Ella Fitzgerald is not capable of tragedy. The arguments are specious at best: who says that every jazz singer must follow a specific set of criteria, and why is it necessary that a jazz singer takes on all ranges of emotion? Still, Fitzgerald probably revealed more emotion than Hentoff, Williams or anyone else realized. Ella guarded many details of her private life. It was only after her death that we learned that she had been homeless when she got her first break at the Apollo Theater amateur contest. She had severe neurosis over her lack of formal music education, her failed love life, and her general appearance. More often than not, she would push those uncomfortable feelings into the background. Listening to her recordings now, we can surmise the deeper meanings of her lyrics to “You Showed Me the Way” (certainly dedicated to Webb, who gave her a home and stardom) or the pain in her many versions of “Angel Eyes”. Ella probably read those notices by Hentoff and Williams (against Granz’ advice!) and may have decided to add even more of that emotional depth to her live performances. Listen to this stunning 1968 performance of “Summertime” as a potent example.

April 25, 2017 marks the 100th birthday of Ella Fitzgerald. The anniversary has prompted lots of media hype, plus numerous reissues and tributes. Universal Music, which currently owns all of Fitzgerald’s recordings for Decca and Verve, has a long list of planned reissues, including a new 6-LP edition of “The George and Ira Gershwin Song Book”, a 300-track digital download of her complete Decca singles, a forthcoming complete edition of Fitzgerald’s duets with Louis Armstrong, an album matching Fitzgerald’s vocals to new recordings by the London Symphony Orchestra, and a new 4-CD anthology, “Ella 100: 100 Songs for a Centennial”. At first glance, the song selection of “Ella 100” seems hopelessly flawed—no JATP performances, no personal ballads like “Angel Eyes” or “I Got it Bad”, no scat triumphs like “Blue Skies”, “How High the Moon”, or “Airmail Special”, no expansive song readings like “Bewitched, Bothered and Bewildered” or “Blues in the Night”. But while the selections are unusual, they still present a fairly well-balanced overview of Fitzgerald’s recorded work from 1936-1966 (However, the absence of any discographical information is inexcusable). Those who want to hear some of the above-cited tracks should seek out two earlier Verve compilations: the three-CD “First Lady of Song” and/or the 2-CD soundtrack to the “American Masters” documentary “Something to Live For” (While you can, be sure to pick up the DVD of that documentary. Directed by the late Charlotte Zwerin, it is an excellent study of Fitzgerald’s public and private personas.)

There has been a plethora of Ella tributes in the past few weeks. The streaming webcast of Jazz at Lincoln Center’s Ella celebration was a mixed bag. It featured several well-known vocalists, but only a few seemed able to capture Fitzgerald’s spirit. The young vocalist and tenor saxophonist Camille Thurman started the program with a stunning “Oh, Lady be Good” featuring a close approximation of Fitzgerald’s first scat chorus, followed by a spectacular scat solo of her own. Later in the program, Roberta Gambarini and Kenny Washington performed a vivacious reading of “Almost Like Being in Love” as a salute to the Armstrong/Fitzgerald duets, and shortly thereafter, a combo version of “I Was Doing All Right” featured delightful interplay between Diana Krall and Wynton Marsalis. At the end, Gambarini returned for a Fitzgerald classic based on a nursery rhyme—not “A-Tisket, A-Tasket” but the even more unlikely “Old MacDonald” (a piece that Ella recorded with Marty Paich in 1966). In the week before Fitzgerald’s birthday, Ann Hampton Callaway—who may be the closest spiritual cousin to Ella singing today— presented her tribute show at Birdland. While a handful of YouTube videos have emerged from the run, the best presentation of Callaway’s devotion to Fitzgerald may be her CD “To Ella with Love”, recorded just prior to Fitzgerald’s passing in 1996. Meanwhile on the West Coast, vocalist Staci Griesbach has created 100 YouTube videos featuring her cover versions of Fitzgerald classics (a concert with Griesbach performing several of these songs occurred at the E-Spot Lounge in Studio City, CA on April 29). The Grammy Museum has launched a new exhibit dedicated to Fitzgerald’s life and career, with Katie Thiroux serving as Musical Director. The Smithsonian Institute in Washington DC is also presenting a Fitzgerald salute, and in Georgetown, Blues Alley held the official Ella Fitzgerald competition for young vocalists (which was won by another JHO favorite, Alyssa Allgood).

It’s been said that Ella Fitzgerald didn’t realize just how good she was. Whether that assumption is true or not may never be known. I suspect that she knew more about music than she revealed to the public, and I’m sure that the adulation from her audiences and contemporaries had a positive effect on her inner emotions. There is no doubt that she would have been surprised with all of the attention stemming from this centennial celebration, but despite her protests that she wasn’t worthy, she would be gracious and supportive of these younger musicians. That’s entirely fitting: the love and passion that Ella Fitzgerald brought to jazz is now being returned one hundredfold.


Ella Fitzgerald: Just Why Is She So Important?

From the blues to bossa nova and calypsos to carols, she imbued all with her unique voice. Ella Fitzgerald will live forever.

Born on April 25, 1917, if not quite at the dawn of the recorded music era, then during its infancy, Ella Fitzgerald has done more than most singers to fill the world with beautiful music and spread the joy and the love of the Great American Song Book. But what is it that makes Ella so important? Or as Mel Tormé put it, “She was the best singer on the planet.”

Listen to the best of Ella Fitzgerald on Apple Music and Spotify.

Big Band beginnings

As a teenager she bunked off school, worked for the Mafia, and lived on the streets, so it is perhaps surprising that her purity of voice has beguiled audiences since she first recorded with Chick Webb’s Orchestra in 1935. Like so many singers from the era of the big bands, Ella’s job was to perform live for dancers at clubs and ballrooms and then to go into the studio to sing the pop songs of the day, whether they truly suited her voice, or not. As often as not these songs better suited the band than the singer.

It wasn’t until the summer of 1938 that Ella found real success and when she did it was with a 19th-century nursery rhyme that was brought up to date by Van Alexander who regularly sold arrangements to Chick Webb. “A-tisket A-tasket” hit the right note with record buyers and it made No.1 on the American hit parade. A year later Webb passed away from spinal tuberculosis and for the next few years, Ella kept his orchestra together, billed as Ella Fitzgerald and her Famous Orchestra.

However, it was a struggle to keep it going the band members were very demanding and Ella, barely in her twenties, found their demands difficult to rebut. In the summer of 1942 things came to something of a head when the American Musician’s Union (AFM) called a strike for all its members, which put an end to recording. Decca Records, Ella’s label, came to an agreement with the AFM in late September 1943 and instead of putting her back with her Orchestra, Decca teamed Ella with another of their prized recording assets, The Ink Spots. The result “Cow-Cow Boogie” made the Billboard Top 10. Later in 1944, the same pairing scored a No.1 with “Into Each Life Some Rain Must Fall” coupled with “I’m Making Believe.”

Having had this success Decca tried to replicate the formula with recordings with Louis Armstrong, Louis Jordan, The Delta Rhythm Boys, and The Song Spinners and there were some modest hits. One of these was her last chart success of the decade, “Baby It’s Cold Outside” with Louis Jordan, from the Esther William’s 1949 film Neptune’s Daughter. The problem was, no one at Decca could work out what Ella should be singing solo.

A career sea-change

Ella at her live performances was increasingly embracing be-bop during these years, touring with Dizzy Gillespie’s band and while their gigs did good business at the box office, the music they made together was never going to sell a million records. In 1949 Ella made her first appearance at Jazz at the Philharmonic, which marked a sea change in her career. From this point on, Ella seemed to rise above the fray and to elevate herself to a musically higher plane.

As the 1950s rolled around, Ella’s appearances on the Billboard charts were infrequent, but this was by no means a reflection on the quality of her recordings. Songs like “I’ve Got a Crush on You” were stunning, pointing to the direction in which Ella was heading it and several other brilliant recordings from this period are available on the album, Pure Ella. The public liked them too, meaning that by 1954 she had sold over 20 million records, which put her up there with the most popular singers, black or white.

Meeting jazz’s biggest advocate

Norman Granz who founded Jazz at the Philharmonic and Clef Records was completely enamored by Ella, but couldn’t understand why Decca didn’t record her singing what he thought was the right material. Granz became Ella’s manager just prior to a JATP tour of Europe in 1954. Probably with some coercion from Granz, Decca allowed Ella to record with Ellis Larkins and the album they produced, Songs in a Mellow Mood is fabulous. The following year Ella recorded with an orchestra conducted by the 25-year-old Andre Previn and soon after with Benny Carter’s orchestra – songs like “It Might as Well Be Spring” and “I Can’t Get Started” (Previn)

“Between the Devil and The Deep Blue Sea” and “Ol’ Devil Moon” (Carter) were much more in keeping with the direction that Norman Granz wanted for Ella. Ella’s last session of her 21-year recording career for Decca was on August 5, 1955, she had moved on from being a “singles” artist, and needed to be presented in a way for which the long-playing record was ideally designed. Like Frank Sinatra, who had similar issues at Columbia Records a few years earlier, Ella went from being “The First Lady of Song” to “The Voice of Jazz” and it really was all thanks to Granz and Verve Records, the label he created for Ella.

Establishing the “Ella” songbook

On February 7 at Capitol Records studio in Los Angeles, the same studio in which Frank Sinatra recorded all his classic albums, Ella recorded ten songs that would be included on Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book. It is essential listening – no self-respecting lover of music should live without this wonderful music. It was the start of the Song Book series of albums that helped define what a long-playing record should be like and at the same time established Ella as the greatest female vocalist of the last 100 years.

Dip into any one of her Song Books, pick any track at random and you will hear perfection. Everything from the arrangements, the musicians, and the songs themselves create the perfect blueprint for Ella’s voice. Ella was 38 years old when she recorded her first song book and her voice was honed to perfection. Whether she is singing a straightforward ballad or love song or something with more than a hint of jazz about it she purrs and swings. There can be no one who has heard these records and not been totally beguiled.

It was also in 1956 that Ella recorded again with Louis Armstrong. Following a gig at the Hollywood Bowl the day before, they went to Capitol’s Hollywood studio to record Ella and Louis, arguably the greatest album of jazz duets ever. The following year they recorded Ella and Louis AgainPorgy and Bess the latter is one of the most beautiful recordings ever made.

It wasn’t until 1964 that Ella completed her song book cycle with the Johnny Mercer album. In between, there were numerous other albums with arrangers like, Russ Garcia, Paul, Weston, Quincy Jones, Frank DeVol, and Nelson Riddle all adding their shimmer and gloss to a career that was the kind that other singers aspire to.

Ella’s later career while not climbing to the dizzy heights of her decade with Verve Records still produced memorable highlights, as did her concert performances around the world. In 1980, Granz, who still managed Ella, came up with the idea that was almost a songbook, Ella Abraça Jobim her tribute to the brilliant Brazilian songwriter. She also returned to the Gershwin canon with her old friend, Andre Previn.

Leaving her final musical mark

In 1987 Ella did her third album with the brilliant guitarist, Joe Pass it was also the year she needed to have open-heart surgery. Two years after that she recorded her final studio album, appropriately entitled, All That Jazz. In 1992, she had both legs amputated below the knees because of complications arising from diabetes. In 1991, Ella who once said, “the only thing better than singing is more singing”, gave her final concert at New York’s Carnegie Hall.


Black Health History: Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald, also known as &ldquoFirst Lady of Song&rdquo and &ldquoLady Ella&rdquo, captured audiences everywhere with her ethereal voice and commanding vocal range. She was one of the originators of &ldquoscat singing&rdquo and a masterful musical improviser.

&ldquoI never knew how good our songs were,&rdquo songwriter Ira Gershwin once said, &ldquountil I heard Ella Fitzgerald sing them.&rdquo

Throughout her career, Fitzgerald led big bands and symphony orchestras with a versatile repertory that spanned show tunes, jazz arrangements, novelties, bossa nova, and even classical opera.

Despite her professional prowess, her health showed signs of weakness fairly early in her life. The culprit? Type 2 diabetes.

You May Also Like

Beginning in the 1970s, Fitzgerald began to have eyesight problems complicated by the disease, and in 1986 she had serious heart surgery. Despite the procedure, she made a triumphant return to the stage that next year.

Her triumphant spirit helped her push through even after both legs were amputated below the knee, continuing to perform regularly in the early 1990s.

Toward the end of her life, the jazz legend was confined to a wheelchair and spend most of her time in her Beverly Hills home. Like many others, she became a victim of a disease that has killed individuals from all walks of life.

What is type 2 diabetes?

Per the CDC, diabetes is the irregulation of insulin in the body. Insulin is a hormone made by your pancreas that acts like a key to let blood sugar into the cells in your body for use as energy.


Xem video: Ella Fitzgerald - Summertime 1968